¿Contact improvisación es arte?

Después de abandonar el blog durante un mes aproximadamente, me encuentro con un comentario en la última entrada, al que no puedo contestar simplemente con otro. La pregunta es, nada más y nada menos para un lunes por la mañana: "¿es para tí el contact improvisación una forma de arte?" por Afrodita.
Primero, me voy a poner el Requiem de Mozart, para que me inspire un poco. Os lo recomiendo, para esos momentos en que la soberbia entra en vosotros, y necesitáis que alguien os ponga los pies en el suelo. Esta obra no solo te los pone en el suelo, si no que te los entierra dos metros por debajo de la superficie.
Empiezo por definir lo que es para mí arte.
Cada ser humano, esta predeterminado por la información genética que contiene cada una de sus células. Esta información determinará, por ejemplo, el funcionamiento de nuestro sistema endocrino, responsable en gran parte, a nivel químico, de nuestro comportamiento. Pero no lo definirá por completo, ya que las circunstancias ambientales moldearán esta información durante el resto de nuestra vida. Unos elevados niveles de testosterona, suelen provocar un comportamiento agresivo, pero circunstancias culturales, pueden inhibir con un código ético, lo dañino que tendría para el entorno social, esta agresividad.
Todo lo que es producido por estas circunstancias ambientales, son , queramos o no, absorbidas , analizadas, procesadas y archivadas, por nuestro cerebro, para su posible utilidad en el futuro. Este procesado de información, aprendizaje, creará nuevas conexiones entre neuronas, que agilizarán el trabajo, a medida que el número de conexiones aumente.
Necesariamente, cada ser humano es diferente, ya que es una compleja relación entre todos estos factores. Si bien hay unas características comunes a toda la especie, y unas semejanzas cuando se circunscribe en un ámbito similar. Un europeo que habita en un clima mediterráneo, con raíces culturales grecolatinas, e influencia religiosa judeocristiana, es sensiblemente diferente a un japonés, que vive en la costa del pacífico, con raíces culturales chinas, y educado en la religión Shinto. Podríamos seguir haciendo grupos más pequeños, hasta que los grupos resultantes fuesen igual en número al de habitantes en la Tierra, pero no sería más que un afán de clasificación virtual para entender lo que nos rodea.
Ahora añadimos las relaciones que establecemos con otros "conjuntos formados por una persona", y el intercambio de conocimientos, elevará exponencialmente, las conexiones que nuestro cerebro hace por sí solo, simplemente observando nuestro entorno.
Con todo esto, creo que explico la visión única y subjetiva que cada uno tiene de una realidad común, que a mi parecer existe. Aunque todo esto es mi visión a partir de lo que he visto, leido y escuchado. Cada cual tendrá la suya.
Para mi, el arte, es una herramienta muy potente, que permite a cada ser humano, expresar esta visión única y propia, que no podría expresar de otro modo. El solo hecho de plasmarla, para mi ya es arte. No es necesario que plasme TODA su visión en una solo obra, se suele plasmar parcelada. La única diferencia entre un artista, y una persona que no lo es, es que el primero domina las técnicas artísticas de expresión.
Esta expresión única, puede quedar abandonada en el sótano del artista, o puede ser expuesta en un museo. Ésta última me parece más rica, ya que crea una comunicación indirecta, entre el artista, y cada uno de los individuos que la observan, usando como medio la obra.
Y ahora me meto en la consideración que me lleva a escribir esto. El contact improvisación, nació en un momento, en el que las ideas de la contracultura comenzada en los cincuenta, y popularizadas a finales de los sesenta, empezaban a calar en EE.UU. Las bases sobre las que se apoya la estructura del contact improvisación, son muy similares a las ideas progresistas que se implantaron en esta época. Esto me hace pensar que el contact improvisación, es simplemente el proceso seguido por Steve Paxton, con un objetivo concreto, la obra Magnesium, dando su visión de lo que es el mundo, utilizando la danza. A partir de ese punto, los que lo practicamos, dialogamos sobre ello mientras bailamos, y en cierta manera expresamos parte de nuestra visión del mundo, pero solamente se la contamos al oído a nuestro compañero, mientras el nos transmite la suya. Es una especie de intercambio de información, como una conversación, no es arte. No es una filosofía de la estética, es aprendizaje. De hecho cuando estas bailando, no tienes la misma sensación que cuando produces algo artístico, es algo a un nivel más terrenal y básico. Otra cosa es que partiendo del contact improvisación, pretendas montar una acción para expresar tu perspectiva. Eso si es arte, y es lo que hizo Nancy Stark Smith, al programar la estructura del Underscore.
Creo que ya está, aunque seguro que tengo que matizar muchas cosas. Para eso lo hago público, para aprender del intercambio de información, como en el contact improvisación.

Estructura e Improvisación

Ayer estuve en el Centro de Arte Santa Mónica (Barcelona) viendo un documental, incluido en un ciclo sobre la ciudad de Lagos (Nigeria). Solo tenía referencias de esta ciudad, a partir de una estancia de un amigo, al que le concedieron una beca para desarrollar un proyecto allí. Esta visión era bastante difusa, y más tarde supe el por qué. El ciclo constaba de una exposición, y un ciclo de tres documentales; uno sobre Fela Kuti y que fue el que me enganchó a ir al ciclo "Music is the Weapon",(1982) , uno sobre Nollywood (tercera industria mundial de cine en número de cintas, pero no de medios) "This is Nollywood", (2007), y un tercero sobre urbanismo de esta "caótica" ciudad. Son muy recomendables los tres, aunque el que me interesa para este artículo, es el último.
Aquí copio y pego una nota de prensa que he encontrado sobre el documental:

En la década de los 90, Rem Koolhaas (arquitecto) decide estudiar Lagos, ciudad que se espera alcance los 24 millones de habitantes en 2015, en un intento de entender la lógica oculta que hace que una ciudad “disfuncional” funcione. Esta investigación descubrió una población con una capacidad extraordinaria para hacer frente a un paisaje urbano de obstáculos y oportunidades. Los habitantes de Lagos han equipado a su metrópolis, en crecimiento vertiginoso, con una malla finamente tejida de redes eficaces con organización propia que desafían la idea predominante de que Lagos “no funciona”.
En 2001, Rem Koolhaas invitó a Bregtje van der Haak a documentar su investigación. Van der Haak creó el documental Lagos/Koolhaas que tal y como sugiere el título, es una visión del arquitecto y sus métodos de investigación más que una imagen de la ciudad.
Pero otra interpretación más personal se escondía en las 55 horas de material que ella filmó durante sus tres viajes a Nigeria. Si Koolhaas se fijó en las pautas de Lagos desde lejos y luego se fue acercando cada vez con más detalle, van der Haak empezó desde dentro, dejando que los encuentros personales revelaran gradualmente pistas para descifrar el gran puzzle, creando un nuevo vídeo documental interactivo de 60 minutos. "Lagos wide & close" (2005), es una adaptación en dvd de este proyecto

Y ahora que tenéis todos los detalles del documental, os preguntareis: ¿y esto que tendrá que ver con el contact improvisación?. Pues todo tiene que ver con todo en este mundo. Me interesa sobre todo una frase del propio Koolhaas que aparece en voz en off en todo el documental (nada de lo que esgrime tiene desperdicio). Dice algo así , parafraseando:
Los habitantes de Lagos han conseguido improvisar estructuras bien articuladas, tanto sociales como económicas, en un entorno en apariencia caótico. Bajo este aparente caos, profundizando un poco se puede descubrir una infraestructura que en un principio parece imperfecta, pero que ha sido moldeada a sus necesidades. Ésto era acompañado de imágenes de vías colapsadas (ferrocarriles, intersecciones de autopistas...), alrededor de las cuales se organizaban microeconomías.
Por mi parte lo extrapolaré al desarrollo de una performance, que es lo que estoy observando en este momento.
Documental muy recomendable, al igual que los otros dos del ciclo.

Improvisación y coreografía

Aquí un artículo interesante sobre la relación que existe entre lo casual y lo planificado, y que utiliza el contact improvisación como ejemplo, en una de las definiciones más poéticas que había escuchado hasta la fecha: [...]"Dos o más cuerpos tienen el oído desparramado por toda la piel"[...]

El artículo completo escrito por Cynthia Farina, lo teneis en este enlace: REVISTA DCO

Os resumo un poco.


Arte, cuerpo y subjetividad: improvisación y coreografía

Tomemos dos imágenes de la danza: el Contact Improvisation y la obra Blush.La primera imagen es el Contact Improvisation, danza de la escucha entre los cuerpos. Dos o más cuerpos tienen el oído desparramado por toda la piel. Confían en sus sentidos; pierden y recuperan el centro de su cuerpo y del espacio; no se detienen a pensar; la percepción es acción; el sujeto se determina por su “estar aquí y ahora”. Los cuerpos se comparten; la danza improvisa, sin importar la forma y el peso de cada cuerpo.Esta danza surgida en los Estados Unidos a comienzos de la década de 1970 es improvisación, no hay coreografías a seguir, como tampoco hay un tiempo límite al encuentro entre los bailarines (conocido como jam), quienes se dirigen más a ellos mismos que a posibles espectadores. El Contact Improvisation es un flujo continuo de movimientos improvisados.La segunda imagen es una secuencia de Blush, coreografía del belga Wim Vandekeybus. Sobre el escenario, tres bailarinas realizan una danza intensamente física. Detrás de ellas, a un lado, se encuentra una gran pantalla blanca. De repente, las tres saltan en dirección a la pantalla y se sumergen en ella de cabeza. La pantalla no se rompe, sino que es atravesada por esos tres cuerpos. Sobre el lienzo blanco, se proyectan imágenes de aguas turbias. El movimiento de la vegetación subacuática se enreda en los movimientos de las bailarinas que emergen y se hunden en la pantalla; sus cuerpos físicos bailan con las imágenes filmadas, mediante una elaborada coreografía.

Centro

Este es un poquico más complejo, ya porque el de cada persona es distinto, ya porque muchas veces se interpreta como algo espiritual.
El centro físico lo voy a cortar y pegar de una página que está muy bien: i-natación.
Debido a que un cuerpo es una distribución continua de masa, en cada una de sus partes actúa la fuerza de gravedad.El centro de gravedad o centroide es la posición donde se puede considerar actuando la fuerza de gravedad neta, es el punto ubicado en la posición promedio donde se concentra el peso total del cuerpo. Para un objeto simétrico homogéneo, el centro de gravedad se encuentra en el centro geométrico, pero no para un objeto irregular.En otras palabras, el centro de gravedad de un cuerpo es el punto de aplicación de la resultante de todas las fuerzas que la gravedad ejerce sobre los diferentes puntos materiales que constituyen el cuerpo.Desde la posición anatómica de pie, el centro de gravedad del cuerpo humano, se encuentra en la pelvis, enfrente de la porción superior del sacro (segunda vértebra sacral, S-2). En las mujeres, se encuentra más abajo que en los hombres, debido a que las mujeres poseen una pelvis y muslos más pesados y piernas más cortas.El centro de gravedad en el hombre ,en posición anatómica, cae dentro de su base de sustentación, entre los 2 pies y en la parte anterior de estos.Un objeto está en equilibrio estable mientras su centro de gravedad quede arriba y dentro de su base original de apoyo.La posición del centro de gravedad depende de varios factores, tales como la estructura anatómica individual, las posturas habituales de pie, las posiciones actuales, el hecho de sostener pesos externos y el edad, género (femenino o masculino).

Y ahora voy a hablar del "Ki" en concreto en su relación con el aikido, porque a pelo es ininteligible, que es algo así como el centro espiritual, para esto voy a echar mano de la wikipedia:
Ki a veces es traducido como 'aliento de energía' o 'energía' e incluso como 'alma'. El kanji de Ki es el pictograma (氣), que representa una olla con arroz y vapor sobre ella, el asa de la olla a la derecha y el símbolo con forma de estrella representa al arroz. Cuando un aikidoka dice que alguien (comúnmente instructores de muy alto nivel) está entrenando con mucho Ki, se refieren a que la persona ha desarrollado una gran armonía en la ejecución de las técnicas. La ejecución en el momento preciso, un sentido de la distancia adecuada y mente y cuerpo equilibrados (o imperturbables) son particularmente importantes. La mayoría de los instructores menciona que el Ki está emplazado en el Hara (el centro de gravedad del cuerpo, en el bajo vientre, justo debajo del ombligo). En el entrenamiento es común que se enfatice la atención en el Hara a fin de no perder el Ki. Instructores de muy alto nivel logran un nivel de coordinación tan elevado que les permite ejecutar técnicas con muy poco contacto corporal a su oponente o incluso prescindiendo de contacto. Un arte marcial relacionado es el arte del KiAi o grito de guerra, que se especializa en transportar el Ki a través de la voz.
(Extracto de Aikido FAQ): "... tal vez no creas en el Ki, pero vaya que también lo desarrollas". El aikido usa mucho el concepto de Ki. El aikido es una de las artes marciales más espirituales y se ha dicho que es el 'zen en movimiento'. La palabra aikido se puede traducir como 'el camino de la armonía del Ki'. Ahora bien, definir exactamente qué es el Ki es un tema bastante álgido.
Algunos aikidokas sostienen que el ki, en tanto entidad física, simple y llanamente no existe. Por el contrario, es un concepto utilizado para enseñar el espíritu y la intención, se emplea para conceptos como la coordinación bio-físico-psicológica a través de la relajación y la conciencia respecto al presente. Estos aikidokas tienden a rechazar los aspectos filosóficos y espirituales del ki.
Otros aikidokas creen en el ki como una entidad física y sostienen que puede transmitirse por el espacio. Ellos, a diferencia de los anteriores, usan conceptos como el ki del universo, la extensión del ki, etc.
El hecho es que una gran cantidad de aikidokas siguen, y sin duda seguirán, en la 'búsqueda del ki', como concepto de base en la movilidad del hombre.

Underscore

Ayer fui a la Jam de contact inprovisación en Área , os la recomiendo si no habeis ido, y el tema raiz era el "underscore". Lo que intuí por lo que contaban Guy y Ester, es la estructura que usamos siempre en una jam, pero para esta vez, ser consciente de ello. A investigar toca.
Los dos primeros significados que encuentro son: el simbolo del teclado "_" que ya es lo suficientemene acertado, y, la música de fondo utilizada en medios audiovisuales para crear ambiente.
Aplicado al contact improvisación, y según lo que he encontrado, resulta que nadie sabe exactamente lo que es, excepto Nancy Stark Smith y porque lo inventó. Así que solo puedo dar una aproximación relatando mi experiencia y las de otros que he encontrado.
"Underscore" es un marco, partitura, o ambiente, creado para orientar a una o varias personas en el progreso de una jam, o como método de enseñanza. Tiene varias fases y esta delimitada en el tiempo. Siguiendo lo que he experimentado o leido, éstas suelen ser:
- Círculo de apertura donde se expondrá las normas si las hay, la duración, objetivos si los hay y expresar que todos los participantes y el entorno forman una unidad. Para mi el último es la esencia de este circulo.
- Pequeño calentamiento, que puede ser orientado con imágenes, para introducirnos más rapidamente en la jam. en este punto tengo que exponer, que cuanto más progresivo y duradero sea el calentamiento, mejores sensaciones tengo despues en el transcurso de la jam
- Circulo de cierre al que se irá accediendo después de haber sido avisados previamente de la finalización de la jam (unos 15 minutos), para que todos juntos busquemos un final. En este círculo se expondrán las conclusiones, sensaciones, sugerencias o lo que se os pase por la cabeza.
Aclaración: si lo realiza una sola persona, evidentemente por geometría, no puede formar un círculo... ¿o si?

Conceptos usados en Contact Improvisación

Es curioso como se nos vende la red como un caudal infinito de información, cuando en realidad cuando te pones a buscar algo concreto, resulta que te encuentras el mismo articulo repetido millones de veces en diferentes páginas, copy-paste como dirían mis compañeros los plumillas o ctrl+C, ctrl+V los usuarios avanzados del método. Que conste que yo lo utilizo, y como no me gusta, (aunque creo que es esencial para el desarrollo de la sociedad) voy a darle un valor añadido, recopilando de varios sitios, para crear un copiar-pegar de calidad ;P

Esto lo he pensado mientras buscaba la definición de los diferentes conceptos que se manejan en contact a la hora de acotarlo. Porque de manidos, muchas veces los conceptos pierden su significado, voy a investigarlos de uno en uno gracias a la wikipedia, que no ando ya muy fino en ciencias.

Conceptos que se manejan al definir contact improvisacion y que he ido recopilando:
Físicos: peso, masa, inercia, aceleración, fuerza centrífuga, gravedad, momentum, centro, inversion de ejes, impulso, contrapeso, equilibrio y desequilibrio, resistencia, apoyos
Acciones: roladas, rodar, caidas, espirales, deslizar
Biológicos: reflejos, espacio circular, esferodinamia, los impulsos, los apoyos, el espacio circular, conciencia corporal, escucha propia y del compañero, fluidez, sorpresa.
Psicológicos: conciencia corporal, fluidez, sorpresa, creatividad, escucha, respeto, confianza, juego, kinosfera y espontaneidad.
Más o menos son los que se repiten con mayor frecuencia en las definiciones.
Y ahora los iré definiendo uno a uno con lo que encuentre por ahí, y este ejercicio me ayudará a concretar lo que engloba el contact improvisación, y a formar una definición para soltarsela a mi madre y amigos cuando se pongan en posición de defensa de luchador de full-contact.

Release

Hoy me he enterado lo que es release , y lo voy a resumir mientras lo leo. Y de paso, como menciona a Merce Cunningam, pongo un video de éste junto a John Cage que no sabía como calzarlo, y que me pasó Víctor




Abajo del todo pongo la referencia del artículo:

Por Laura Ríos
Este movimiento tiene un antecedente importante en Merce Cunningham quien originó un cambio conceptual en la ya clásica danza contemporánea.

En términos generales podríamos decir que release es un término bajo el cual se reconoce una aproximación al movimiento que actualmente tiene una fuerte presencia en el lenguaje dancístico y coreográfico de la danza escénica.Se genera y desarrolla en el contexto de la danza posmoderna o nueva danza que surgió en en los años 70´s en Estados Unidos.En aquellos años las técnicas de release se referían a un método de entrenamiento basado en la ideokinesis que integra mente y cuerpo anatómico, experimenta con distintos métodos de improvisación a partir de principios de meditación e incorpora elementos de la psicología del desarrollo.De sus principios surge una forma de moverse que puede definirse como fluída y relajada. (La relajación se entiende como algo rígido que se convierte en algo suave, y se agrega el concepto de expansión)2. Esta fluidez no sólo se refiere a una fluídez física, sino también mental y emocional
Han pasado más de 30 años desde su surgimiento. El release ha devenido en diversos estilos como personas que lo practican. Se aprende a partir de la síntesis que ha hecho quien lo imparte. Algunos, -quizás los más- ponen énfasis en compartir el complejo vocabulario corporal que ha surgido de sus principios. Otros subrayan los diferentes métodos de improvisación para la creación de vocabulario corporal, y exploran sus posibilidades para la composición coreográfica. Otros más se enfocan en sus principios fisiofilosóficos que abren el camino hacia la creación de un lenguaje propio de creación y movimiento. Otros, quizás combinan estas diferentes vertientes.
Algunos han afirmado que el release es una moda y que de ninguna manera es formativo.Daniel Lepkoff, fundador de Movement Research* dice que innumerables profesionales de la danza en todo el mundo han sido influenciados por este estilo de nueva Danza sin tener un pequeño conocimiento o la experiencia de los orígenes de este material3.Mary Fulkerson pionera del movimiento de danza posmoderna y quien ha desarrollado una intensa actividad docente y artística en el campo de la danza actual básicamente en Europa y autora del libro “Release: From body to spirit. Seven Zones of Comprehension from the Practice of Dance” me comentó con cierto desencanto que, actualmente muchos ponen de título a sus talleres o cursos “Release” sin tener el mínimo conocimiento de lo que es, simplemente porque está de moda o lo consideran de alguna manera necesario para ingresar a cierto mercado.
*Movement Research, es un centro de danza cuyas actividades soportan las formas artísticas actuales. Fue creado en 1978 por un colectivo de artistas posmoderos, quienes requerian de un sitio donde poder seguir estudiando e investigando juntos, un lugar de referencia donde otros pudieran acudir. En el colectivo se encontraban Daniel Lepkoff, Steve Paxton, Lisa Nelson, Barbara Diley, Simone Forti, Nancy Stark Smith, Marsha Paludan, Ivonne Rainer, Nancy Topf, entre otros.

La intención de este escrito nada tiene que ver con cuestiones de ética. Tomo los comentarios de Lepkoff y Fulkerson como excitante termómetro para percibir la fiebre que ha generado la danza posmoderna y el release en el escenario de la danza en la actualidad y desenpolvar, desenterrar, refrescar, desenmarañar, indagar un poco en los complejos orígenes y quitarle ese aire de banalidad a este movimiento artístico que a la par de otros movimientos artísticos contemporáneos han sido parteaguas en la reconceptualización del arte.

ANTECEDENTES
Esta forma de aproximarse a la danza tiene su antecedentes en Joan Skinner, Mabel Todd y Barbara Clark.Durante los 20´s Mabel Todd trabajó una forma terapéutica de reeducación física que llamó Postura Natural. Todd estaba convencida de que un nuevo concepto de postura era necesario, uno donde hubiera más libertad, ausencia de estrés, preparación para la acción, y una movilidad opuesta a la fijación. Su énfasis en encontrar “equilibrio“ más que imponer posiciones fijas y rígidas al cuerpo, era inusual.En aquella época la noción de postura correcta, tenía que ver más con cuestiones morales que con la mécánica del cuerpo. La noción victoriana de manetener una posición vertical rígida se asociaba con la rectitud del espíritu. Incluso las clases de entrenamiento corporal tenían un corte militar. (Muchas aún lo tienen). El pensamiento liberal de los veintes procuró una imagen del cuerpo más relajada, sin embargo, esta postura era simplemente la opuesta a la victoriana. Todd argumentaba una premisa postural diferente, nada sostienes, todo está en movimiento4. Consideró principios de arquitectura, fisiología, anatomía y psicología para crear este nuevo concepto de postura. En 1937 publicó The thinking Body,, unos de los textos que ha tenido gran influencia en el estudio y desarrollo del release.

Barbara Clark. De niña padeció polio. Fue enfermiza y débil. A los 24 años fue atendida por M. Todd y logró cambios importantes. Después de trabajar intensamente con Todd, se interesó por difundir la información a niños, actores y bailarines. La relación con su alumna Marylin Monroe, quien al irse a grabar a Hollywood le pidió a Barbara le diera clases por correspondencia, la motivó para elaborar una serie de manuales usando toda su creatividad para hacerlos accesibles.El trabajo propuesto por Todd, desarrollado por Barbara es un proceso de reeducación fisiofilosófico, el cual emplea el uso de imágenes como medios para modificar patrones neuromusculares. A este proceso se le denominó ideokinesis que viene del griego ideo (idea, pensamiento) y kinesis (movimiento).Joan Skinner es quien, hacia finales de los 60´s inventó el concepto detrás del trabajo de release.y al parecer acuño el término. Formó parte de la compañías de Martha Graham y Merce Cunnningham. Estudió técnica Alexander y quizo aplicar estos principios al movimiento. En 1963 inició una investigación que evolucionó en la Técnica Skinner Releasing.Los bailarines y coreógrafos Marsha Paludan, John Rolland, Nancy Topf y Mary Fullkerson, entre otros, se empaparon de los conceptos de Skinner, y de Clark. Ellos fueron pioneros del release conformaron y desarrollaron los principios del movimiento de danza posmoderna o nueva danza concretándolos en propuestas pedagógicas, artísticas y documentos que han conformado la base para el aprendizaje de las técnicas.

CONTEXTO HISTORICO
Al inicio de este movimiento, a principios de los años setentas, los coreógrafos fueron conscientes de su posición contraria a la danza precedente. Poseedores de una aguda conciencia de la crisis histórica que vivía la danza y en general todo el arte, reconocieron que eran portadores y críticos de dos distintos géneros de danza ahora tradicionales: el ballet y la danza contemporánea.Algunos coreógrafos de esos años, estaban unidos por el deseo de cambios radicales a la coreografía, insistían en reconcebir el cuerpo como medio e instrumento de la danza. Un nuevo estilo con propias sugerencias estéticas parecía haber nacido.
En la danza posmoderna o nueva danza, el coreógrafo no aplica en su trabajo patrones visuales convencionales, la visualización es interna: el movimiento no está preseleccionado por sus características, sino que es el resultado de varias decisiones, metas, planes, reglas, conceptos o problemas biokinéticos.Surge el interés del proceso sobre el producto, la eliminación de referencias externas como tema y las limitaciones en las formas. La relación entre vida y arte cambia y se buscan, además, otras formas de interacción entre artistas y espectador. Comenzaron a trabajar en espacios como azoteas, paredes de edificios, calles e iglesias. La Judson Church fue establecida en 1890 para servir a la población inmigrante de Greenwich Village y, en el siglo XX albergó a coreógrafos como Ivonne Rainer, Steve Paxton y Trisha Brown, permitiéndoles establecer el Juson Dance Theater, que se convirtió en el símbolo de nuevas direcciones en la danza que hasta la fecha da cabida a las diferentes expresiones artísticas.Este movimiento tiene un antecedente importante en Merce Cunningham quien originó un cambio conceptual en la ya clásica danza contemporánea. Sintetizó ciertos aspectos del ballet en una técnica vigorosa. Introdujo el azar como elemento creativo y el juego libre con el espacio y el tiempo. Su concepto dancístico se fusionó con los conceptos vanguardistas del músico John Cage, con quien colaboró por más de cuarenta años.
También cabe destacar el papel del compositor Robert Dunn, quien en 1960 ofrecía clases de composición en el estudio de Cunningham. Utilizando partituras de John Cage para sugerir modelos de estructuras y acompañando las coreografías de los jóvenes estudiantes con música de Erik Satie (considerada oscura) radicalizó las ideas de un grupo de jóvenes bailarines, instándolos a participar del movimiento cultural que sucedía en todo el ámbito artístico.El bailarín y coreógrafo Erick Hawkins, -ex-bailarín de la compañía de Martha Graham, alumno de Barbara Clark-, también tuvo mucho que ver en el desarrollo de este movimiento. Hawkins dijo que en el release se trabaja el movimiento a partir de posiciones naturales, permitiendo que la energía fluya hacia fuera del cuerpo sin esfuerzo. Entre sus alumnos destacan, Trisha Brown, Lucinda Childs, Debora Hay, David Gordon y Steve Paxton. Este último desarrolló paralelo al release, una forma de danza en pareja, conocida como Improvisación de Contacto.Muchos aspectos relacionan estas dos formas de movimiento, por ejemplo: el interés en el proceso creativo, la improvisación, la experimentación y exploración, una redefinición del uso del cuerpo y el peso, el retorno al piso y el uso de patrones de desarrollo, así como una redefinición estética con respecto a la relación artista-espectador.Los temas de los coreógrafos fueron acerca de la naturaleza, historia y función de la danza. El cuerpo por sí mismo se convirtió en el tema de la danza y dejó de ser el instrumento para expresar metáforas expresivas, héroes o mitos. Lo que importaba era la recuperación del propio cuerpo como dispositivo emocional y sensorial.La intención de involucrar al público y el no dejarse influenciar por los esquemas escénicos de la cultura occidental, eran preocupaciones de la danza posmoderna o nueva danza. Se asocia con movimientos sociales de los años sesenta, como los estudiantiles, feministas, homosexuales y pacifistas.
Una de las principales preguntas que dio origen a este campo de investigación del movimiento, fue:
¿qué pasaría si en lugar de construir danzas con un vocabulario predefinido, consideramos todo movimiento humano como material potencial? 5En este contexto surgen las técnicas de release e improvisación de contacto, las que liberaron a la danza del virtuosismo técnico orientado hacie el atletismo y la gimnasia y la guiaron a un cambio de esquemas de valor acerca de lo que es la danza y quien puede ejecutarla. En su búsqueda por un cuerpo natural, algunos coreógrafos trabajaron deliberadamente con personas sin entrenamiento alguno.Se introdujeron otras formas de entrenamiento, Antes de 1970 nadie se preparaba para una clase de técnica respirando en el piso en posición de descanso constructivo; ni había oído de la Improvisación de Contacto; tampoco nadie se calentaba rodando, tocando, dando o quitando peso; ni se le había ocurrido moverse desde los órganos; tampoco se encontraban patrones de desarrollo de movimiento en las clases técnicas 6.
Esta nueva aproximación amplió el concepto del cuerpo y cambió las metas de la técnica dancística. El cuerpo más que ser un instrumento maeable altamente entrenado para el coreógrafo, se convirtió en depositario de información y en una herramienta de aprendizaje. Como un científico que utiliza un microscopio para mirar de cerca el mundo, un bailarín ahora puede usar su cuerpo consciente como herramienta para probar en sí la naturaleza de la experiencia.Después de más de 30 años, el release ha devenido en diversos estilos como personas que lo practican. Algunas de las personas que imparten release lo han incorporado a su lenguaje artístico. Algunos retoman sus principios y los desarrollan. Otros siguen trabajando de manera tradicional pero han incorporado formas de release como parte de su vocabulario. Otros han partido de sus principios y han desarrollado una propuesta propia.

PRINCIPIOS QUE DIERON ORIGEN A LOS DIVERSOS ESTILOS DEL RELEASE
-Interés en el proceso creativo.
-Exploración de la relación cuerpo-mente a través del concepto de imagen.
-El estado de vacío o quietud es un punto de partida o llegada. Este estado se logra a partir de la posición de descanso constructiva, inicia generalmente con un ejercicio de observación de la respiración que genera estados alterados de conciencia que permiten trabajar con imágenes y abrir posibilidades de creación y movimiento.
-El movimiento se aprende a partir de leyes físicas más que estéticas. Se trabaja con la anatomía más que en contra de ella.
-Se incorporan a la técnica elementos de psicología del desarrollo. En especial se retoman patrones de movimiento que realizan los bebés mientras construyen la fuerza para lograr la posición erecta, lo que resulta en un variado trabajo de piso.
-Uso de formas abiertas o improvisaciones que estimulan el proceso creativo y generan diferentes formas de moverse y de componer en el espacio.

PERFIL DEL EJECUTANTE
Esta aproximación amplía el concepto del cuerpo, expande la base de movimiento a partir de la cual el cuerpo puede dibujarse y cambia los objetivos de la técnica. El cuerpo, más que ser un instrumento maleable altamente entrenado para responder a la visión del coreógrafo, se convierte en depósito de información y en una herramienta de aprendizaje.En las técnicas tradicionales el avance es lineal, mientras que en este trabajo el avance es esférico, es decir, se avanza desde cualquier punto hacia la profundidad. Se intenta lograr que una persona se mueva de manera inteligente y no sólo que sea más hábil o fuerte o conozca un repertorio de vocabulario predeterminado de movimiento. Crea la conciencia de que el movimiento no se "posee", si no se está totalmente en él, no sólo con el cuerpo, sino con la mente. Se está en el movimiento, con todo el ser. Se desarrolla un estado de alerta, de equilibrio precario que provoca en el ejecutante un estado de conciencia que –en un nivel avanzado-, le permite reaccionar y resolver cualquier circunstancia física o emocional. La intención está empatada a la acción.Bajo esta perspectiva no se pretende formar bailarines que ejecuten correctamente un lenguaje –un vocabulario- específico. En estas forma de entrenamiento existen principios de verdad, no hay error. El alumno tiene la posibilidad de crear un lenguaje propio.

Reseñas
1 O´Donnell Fulkerson Mary. RELEASE: FROM BODY TO SPIRIT. Seven Zones of Comprehension from the Practice of Dance. CD. Version 1.0 – 2003. Design + Production: DanceArt Webdesign. 441 págs.
2 Topf Nancy. THE ANATOMY OF CENTER. Libro no publicado. Nueva York, 1998, p.30
3 Lepkoff Daniel Invisible History en Movement Research, Performance Journal 17, Nueva York, Movement Research Inc., otoño-invierno 1998-99, s/p
4 Matt Pamela. A Kinesthetic Legacy. The Life and Works of Barbara Clark. CMT Press. E.U.A. 1993. p. 15
5 Lepkoff Daniel. Invisible History en Movement Research, Performance Journal 17, Nueva York, Movement Research Inc., otoño-invierno 1998-99, s/p
6 Ibid.
7 Mc. Masters Merry. LAS TECNICAS RELEASE NO ESTAN AL SERVICIO DE NINGUNA ESTETICA. Entrevista a Jaime Ortega. 18 de agosto de 1999. La Jornada, Cultura, p. 34. México, D.F


Bibliografía
· Bainbridge Cohen Bonnie. SENSING, FEELING AND ACTION. The Experiential Anatomy of Body-Mind Centering. Contact Editions. Northampton, MA, EU, 1993. 173 pgs. ISBN 0-937645-03-06
· G. Lipovetsky. , LA ERA DEL VACÍO: ENSAYOS SOBRE EL INDIVIDUALISMO CONTEMPORANEO. Barcelona : Anagrama, 1986
· IDEOKINESIS & CREATIVE BODY ALIGNMENT: THE WORK OF ANDRE BERNARD. Contact Quarterly. Verano/Otoño.Contact Collaborations Inc. E.U.A. 1997.
· Mc Masters Merry. Las técnicas release no están al servicio de ninguna estética. Entrevista a Jaime Ortega. 18 de agosto de 1999. La Jornada. México, D.F.
· Movement Research. Performance Journal 17. Otoño/Invierno. Movement Research, Inc. E.U.A. 1998/99.
· Matt Pamela. A Kinesthetic Legacy. The Life and Works of Barbara Clark. CMT Press. E.U.A. 1993, 329 pgs..
· Mills Margue, Bainbridge Cohen Bonnie. DEVELOPMENTAL MOVEMENT THERAPY. Feldenkrais Resources Publications, EU. 1990. 159 págs.
· Rolland John. Inside Motion. An ideokinetic basis for movement education. Rolland String Research Associates, U.S.A. 1987. 157 págs.
· Sánchez Castro María Guadalupe. PRINCIPIOS DE LAS TÈCNICAS POSMODERNAS. Tesis para obtener el título de Ejecutante de Danza Contemporánea. Escuela Nacional de Danza Contemporánea. Sistema Nacional para la Enseñanza Profesional de la Danza. México, D.F. INBA 1994.
· Todd, Mabel. THE THINKING BODY. A Dance Horizons Book, P.O. Box 57, Pennington, NJ 08534
· Topf Nancy, THE ANATOMY OF CENTER, libro no publicado, 1998, Nueva York, 250 págs.

Referencias electrónicas
· O´Donnell Fulkerson Mary. FROM BODY TO SPIRIT. Seven Zones of Comprehension from the Practice of Dance. CD. Version 1.0 – 2003. Design + Production: DanceArt Webdesign. 441 págs.
· Skinner Joan, Davis Bridget, Davidson Robert, Wheeler Kris, Metcalf Sally. SKINNER RELEASING TECHNIQUE. IMAGERY AND IST APPLICATION TO MOVEMENT TRAINING. Publicado en la página electrónica http://www.skinnerreleasing.com/

Laura Ríos
* Inicia el estudio de las técnicas posmodernas en 1992. Está certificada por el programa creado por Nancy Topf (1945-1998), pionera del release. Durante los últimos años ha investigado y aplicado esta propuesta a través de diversos talleres, la mayoría organizados de manera independiente. En sus talleres han participado además de ejecutantes de danza, artistas plásticos, actores y actrices, bailadores, músicos, arquitectos, artistas visuales. Ha impartido cursos para la licenciatura en danza de la Universidad de las Américas, en Cholula, Puebla, Coordinación Nacional de Danza, Escuela de Bellas Artes de Toluca, Edo. De México, Centro de Formación Pluridisciplinaria dirigido por Fabienne Lachere, Die Etage, Escuela de Artes Escénicas en Berlín, entre otros. Asimismo, ha impartido cursos a otras poblaciones como Reclusorios Femeninos. Ha participado en la realización de diversos proyectos interdisiciplinarios de videodanza, videoperformance, danza escénica, videoarte.


Pues al final no lo he resumido por que es interesantísimo
El artículo de referencia esta en danzaballet